Napoli sarà pure famosa per la sua magnificenza barocca e le sue strade insidiose, ma chi ha voglia di scavare un po’ più a fondo scoprirà una vivace scena d’arte contemporanea nascosta dietro le sue facciate che si sgretolano. Oltre a istituzioni affermate come il Museo Madre e il PAN (Palazzo delle Arti Napoli), o gallerie come Thomas Dane e Studio Trisorio, ci sono un sacco di organizzazioni dal basso che allestiscono mostre d’arte e design all’avanguardia. Edit Napoli è uno di questi esempi, come lo è Fondazione Made in Cloister, il chiostro ristrutturato di Santa Caterina a Formiello che ospita mostre di arte contemporanea e artigianato in mezzo a affreschi rinascimentali che si stanno deteriorando.

Le Scalze, una chiesa sconsacrata e centro comunitario, è un altro di questi posti, dove l’artista Alessandro Saturno nato a Napoli e residente a Bologna, ha recentemente esposto una collezione di tele sognanti nella chiesa barocca un tempo grandiosa. Alessandro ed io ci dilettiamo nell’eccentricità pittorica dell’arte italiana di fine XVI secolo, o “manierismo” come viene talvolta chiamato lo stile predominante del post-rinascimento. Alessandro un tempo produceva principalmente opere figurative, ispirate dai maestri manieristi come Pontormo e Parmigianino per le loro rappresentazioni allungate del corpo. La sua mostra, Un Luogo Senza Nome, non è questo, ma invece una collezione di paesaggi fantastici non rappresentativi. Le sue tele ricordano il mare con le loro chiare linee dell’orizzonte e pennellate ondeggianti, ma potrebbero essere qualcos’altro del tutto. Come suggerisce il titolo della mostra, rappresenta luoghi senza nome—forse addirittura luoghi che non esistono se non nell’immaginazione.

La mostra di Saturno è stata concepita specificamente per l’installazione a Le Scalze ed è durata solo due settimane dal 22 ottobre al 6 novembre 2022. Tutte le visite richiedevano un appuntamento telefonico, una procedura che, inconsapevolmente ma molto felicemente, mi ha regalato un tour privato con l’artista stesso. (I futuri visitatori di Le Scalze dovrebbero fare lo stesso: consultare il loro sito web e confermare un appuntamento in anticipo). Anche in assenza di una mostra, il proprietario Ezio Esposito sarà felice di offrirti un tour dei locali, come ha fatto per me diversi mesi prima. Ezio ha condiviso la storia della chiesa, San Giuseppe delle Scalze, costruita sulle fondamenta di un palazzo nobile medievale, e mi ha persino portato nella cripta sottostante, ancora piena di ossa del XVII secolo. Questo grado di degrado è, purtroppo, non insolito a Napoli. Così tante strutture rimangono chiuse e gravemente danneggiate all’interno – che sia a causa di terremoti, incuria o una combinazione dei due. Le Scalze non solo lavora per portare eventi culturali e caritatevoli nel quartiere, ma ha anche salvato questa chiesa storica dal terribile destino che è toccato a tante altre: il deterioramento e la chiusura indefinita.

All’interno dello spazio espositivo, Alessandro ha avvisato che alcune tele erano difficili da trovare. Tre cavalletti personalizzati, dipinti per abbinarsi alle tele che sostenevano, erano posizionati nella navata. Altre quattro si nascondevano in due serie di cappelle laterali incassate a sinistra e a destra. Tra queste c’era un’altra coppia di cappelle speculari. Le due tele più grandi della mostra sovrastavano ciascuno di questi altari, incastonate nelle cornici di marmo che un tempo contenevano le commissioni originali del XVII secolo. Un’ultima tela si nascondeva nel confessionale di legno. L’altare maggiore, dove un tempo era appeso un dipinto di Luca Giordano, è rimasto notevolmente privo di tela.

Quello che colpisce dell’installazione è quanto sia rispettosa della chiesa che c’era prima — anche se la volta è crollata ed è stata sostituita con del legno, anche se non rimangono dipinti originali, e anche se tanto è stato saccheggiato. Le tele azzurro ghiaccio di Alessandro rinfrescano i toni rossastri degli affreschi danneggiati e dei frontali d’altare in marmo che le circondano; questi stessi toni caldi riappaiono nei soffici beige e rosa pallido che persistono tra l’azzurro. Il suo lavoro non imita meccanicamente la palette del luogo ma la cita e vi risponde. Poco rimane di San Giuseppe delle Scalze, ma Alessandro, napoletano doc, sembra averne intuito l’eredità. Le sue tele occupano gli stessi spazi delle scene religiose originali, onorando la loro assenza con forme familiari ma irriconoscibili. Rende omaggio al sottovalutato maestro napoletano Francesco de Maria, che era, come ha detto Alessandro, “eclissato da Luca Giordano,” lasciando nudo l’altare maggiore dove un tempo era esposta la pala d’altare di Giordano. Nel frattempo, nelle cappelle laterali dove un tempo c’erano i dipinti di De Maria, Alessandro ha installato i suoi. Un sottile atto di storia dell’arte revisionista, da un pittore napoletano a un altro.

Quando gli si chiede della scena artistica contemporanea a Napoli, Alessandro menziona il Museo Madre ma aggiunge, “Per me basta girare per la città e vedere come i napoletani vivono l’immenso patrimonio storico della città – nel bene e nel male. Oggi, questa convivenza genera mix davvero incredibili tra antico e contemporaneo.” Questa stuzzicante coesistenza di opposti potrebbe essere una delle tante ragioni per cui giovani artisti e designer trovano casa a Napoli. È anche una città con tante università e istituzioni artistiche, che attira un gran numero di studenti desiderosi di imparare, innovare e collaborare. Elena Zottola è un esempio proprio di questo – una fotografa che si è ritrovata su un percorso un po’ opposto a quello di Alessandro.

Nata in Basilicata e cresciuta in Emilia, Elena ora lavora e studia antropologia a Napoli. Il suo lavoro, come quello di Alessandro, indaga anche questioni di luogo versus non-luogo.

Elena descrive la sua educazione come caratterizzata dal movimento, dal sud al nord, e poi di nuovo giù a Napoli “per caso, a causa di fattori legati al lavoro di mio padre, e quindi alla famiglia.” In modo toccante, il suo periodo a Napoli ha facilitato una connessione più profonda con la sua nativa Latronico in Basilicata, come si vede in una serie chiamata Prosfèro. La collezione, che indaga un particolare tipo di pizzo prodotto nella sua città natale, è inquietante e nostalgica, allo stesso tempo nuovissima e impregnata di passato. Alcune foto sono nature morte, altre ritratti e altre ancora sfidano ogni categorizzazione. I suoi ritratti presentano figure femminili con tutta la compostezza, la sobrietà e l’acume sartoriale di un dipinto di Frans Hals, il prolifico ritrattista dell’Età dell’Oro olandese.

Elena cita il duo di artisti Giovanna Bianco e Pino Valente come formativi per il suo sviluppo come fotografa, e con i quali condivide una storia parallela. Bianco proviene dalla stessa regione della Basilicata di Elena, e la coppia, conosciuta professionalmente come Bianco-Valenti, vive e lavora a Napoli. Recentemente hanno organizzato una residenza chiamata A Cielo Aperto, a cui Elena è stata invitata insieme a un numero di altri giovani artisti (inclusa Veronica Bisesti, che sta attualmente esponendo al Madre). È immediatamente evidente che il lavoro di Elena per questo progetto è stato influenzato dai suoi studi in antropologia. Si occupa di questioni di luogo e cultura, famiglia e comunità, e di come ciascuno di questi elementi sia influenzato dagli altri. Sta attualmente completando la sua tesi in antropologia e arte, specificamente sul lavoro eseguito durante la sua collaborazione con A Cielo Aperto. “Diciamo che l’arte e l’antropologia sono due mondi piuttosto simili perché entrambi sono in grado di osservare la realtà allontanandosi dal solito punto di vista, quindi facendo le domande utili per immaginare un presente diverso.”

Sia Elena che Alessandro sono interessati a esplorare, attraverso le loro distinte pratiche artistiche, cosa rende reale la realtà e cosa rende reale un luogo – e lo fanno in modi opposti. Dei suoi dipinti per A Nameless Place, Alessandro dice, “Secondo me, c’è essenzialmente un elemento di miraggio in loro. Una dimensione quasi irreale che appartiene alla città di Napoli. La presenza del mare che caratterizza questi paesaggi… non come un elemento esclusivamente naturalistico o descrittivo, ma come un elemento che determina lo spazio in modo mutevole.” I blu ondeggianti e i morbidi riflessi sembrano catturare l’orizzonte sfocato della penisola sorrentina come visto dalla cima di Castel Sant’Elmo—ma so che i dipinti sono allo stesso tempo di nessun luogo e di ogni luogo. Un visitatore ha fatto notare che le tele nella navata gli ricordavano l’Islanda, “il che è incredibile,” ricorda Alessandro, “non ci sono mai stato.” Spiega che ha iniziato ogni dipinto senza alcun piano, un approccio per cui molti vecchi maestri napoletani erano noti e talvolta criticati (soprattutto, ironicamente, Luca Giordano). Di conseguenza, ha spiegato Alessandro, ogni risultato è stato una sorpresa “anche per me.” Nel suo saggio per Un Luogo Senza Nome, il curatore Leonardo Regano ha citato l’autore umanista e architetto Leon Battista Alberti che descriveva un dipinto come una “finestra sul mondo.” In senso letterale, questo aforisma era inteso a incoraggiare i pittori rinascimentali a impiegare prospettive fisse nelle loro composizioni, ma in un altro senso, più universale, era un invito per gli spettatori a immaginarsi all’interno del mondo del quadro. I dipinti di Alessandro sono finestre su terre tranquille, acquose, avvolte nella nebbia che so di riconoscere da qualche parte—o forse da nessuna parte in particolare.

Mentre Alessandro ha inventato nuovi luoghi con riferimenti reali, Elena interroga i luoghi con la mente di una scienziata sociale. Per Elena, la fotografia è un mezzo per fissare realtà fugaci e un modo per rendere visibile l’interrelazione tra un luogo e la sua gente. “Molte delle foto che scatto, le scatto in Basilicata”, spiega. “È un modo per cercare di capire e conoscere le mie origini, dato che vivo lontano da quando ero piccola.” Forse è per questo motivo che non si sente ancora pronta a fotografare la città selvaggia in cui vive ora – forse non è ancora sua da fotografare. “Non riesco a scattare foto a Napoli”, spiega, “il che è paradossale perché è la città che mi ha aperto gli occhi, mi ha messo di fronte alla discordanza. Ho sempre detto che quando vivevo in Emilia tutto era calmo, con colori pastello, mentre Napoli è così solare da essere nera – come quando il sole ti acceca. Forse prima o poi vorrò scattare foto a Napoli, ma per ora mi insegna vivendola, sentendola. Non potrei immobilizzare questa città in immagini.”