Mentre il traffico intasa le strade afose di Roma, all’interno del Circolo Canottieri Aniene la pace sembra quasi ironica; nella capitale italiana del caos, il silenzio è un lusso. Sotto l’ombra di pini selvatici in questo club esclusivo dove si riuniscono attori, politici e manager internazionali, Giuseppe Maggio sembra un uomo d’altri tempi. Il suo cardigan oversize verde bosco nasconde un fisico scolpito, come una delle statue di Palazzo Farnese. Non c’è nulla di appariscente in lui: ha solo 33 anni, ma si muove con il portamento di un attore di un’altra epoca.

Liceo classico, laurea in giurisprudenza: segue il cursus honorum di un nobile romano del XVII secolo. Forse è per questo che ama Villa Borghese, quell’oasi di verde e marmo a Roma dove il tempo non passa ma scivola. Ama le zone di Roma che gli ricordano Parigi — viali alberati come boulevard — e questo lo rende diverso da tanti attori romani profondamente radicati nella città. Ha alle spalle numerose serie televisive, da Provaci ancora prof! su Netflix, ma è al cinema che Maggio fiorisce davvero: a metà strada tra una giovane promessa e un’artista navigata, colta e profondamente formata.

Per qualcuno così in sintonia con gli echi della storia, è appropriato che il ruolo più impegnativo di Maggio fino ad oggi scavi in una delle note a piè di pagina più oscure del cinema. In In Being Maria (2024), Maggio interpreta Bernardo Bertolucci in un film che ripercorre quanto accadde alla giovane attrice di 19 anni Maria Schneider sul set de Ultimo tango a Parigi. Durante le riprese, il regista Bertolucci e l’attore Marlon Brando orchestrarono una simulazione di violenza sessuale senza il suo pieno consenso, ideando l’ormai famigerata scena del burro senza informarla preventivamente. Il loro obiettivo, come ammesso in seguito da Bertolucci, era provocare una reazione reale davanti alla macchina da presa. Il film, uscito nel 1972, fu sequestrato per oscenità e condannato al rogo. Ma il danno più profondo risiedeva in quello che Schneider descrisse in seguito come un profondo tradimento emotivo: essere stata manipolata nel recitare una scena che non comprendeva appieno, in un momento che l’avrebbe perseguitata per anni.

Giuseppe, cosa hai provato interpretando Bertolucci?

Quella scena, oggi lo capiamo, è stata un abuso. Ma devo dire che interpretare Bertolucci non mi ha fatto sentire a disagio. Bertolucci era una figura complessa e, nel ritrarlo, sono diventato l’interprete di una storia particolare. Questo fa parte del mio lavoro di attore. Si può contestare ciò che è accaduto in passato, ma ciò che conta, alla fine, è che l’attore legga sempre la sceneggiatura, studi e sia pienamente consapevole del lavoro che sta facendo.

Interpretare Bertolucci, per me, ha significato cercare la verità di un regista che, negli anni ’60 e ’70, ha vissuto appieno la rivoluzione studentesca e ha visto come il mondo stava cambiando. E, con quella scena, voleva punire la famiglia, che era il nucleo della società borghese. Purtroppo, e contro la sua volontà, Maria Schneider è diventata l’espressione di quella classe borghese a cui il regista voleva far rivivere un certo dolore.

In Being Maria , la scena si conclude con Bertolucci che grida “Stop!”. Cosa significa quel momento per te? Si tratta di separare l’arte dalla morale?

Esattamente. Per me è stato molto importante stare accanto all’“elefante” che è Bertolucci, lasciarmi guidare da lui. Non potevo distorcere il racconto di ciò che è accaduto con il mio giudizio personale. Forse è per questo che non amo le storie che si concentrano così tanto sul disagio che alcuni attori provano nel ritrarre certi personaggi. Se scegli di interpretare un personaggio complesso, devi incarnare pienamente la sua immagine, a qualunque costo.

Oggi molti attori veterani rivisitano i loro ruoli passati con occhio critico. Cosa ne pensi?

Le persone spesso vogliono ciò che non hanno avuto. Un attore all’apice della fama potrebbe desiderare il riconoscimento artistico che non ha mai ricevuto. È molto umano inseguire sempre ciò che è appena fuori portata. Eppure, a un certo punto della carriera, penso sia importante dare valore a ciò che si è realizzato, senza troppi moralismi. Per esempio, non capisco perché alcuni attori guardino indietro e sminuiscano i loro primi lavori. Quei primi ruoli definiscono l’artista che diventerai. Alcuni iniziano nelle soap opera o nei reality, eppure arrivano a realizzare grandi cose.

In un’intervista a L’Officiel, hai menzionato Brad Pitt come modello — qualcuno che si è intenzionalmente liberato dell’etichetta di “bel ragazzo”. Pensi che i giovani attori di oggi siano più disposti a rompere gli schemi del typecasting?

Sicuramente. La società è cambiata. Oggi la vulnerabilità maschile è vista in modo molto diverso rispetto a un tempo. Prima c’era questo ideale di iper-mascolinità — erano gli anni ’80, l’era dei completi manageriali e delle spalline. Oggi gli uomini sono più introspettivi, calmi, persino introversi. Il cinema riflette questo cambiamento. Per esempio, penso a Ms. Playmen, una serie Netflix in uscita quest’anno su Adelina Tattilo, la direttrice di una rivista con un nome inglese ma uno spirito interamente italiano. È affascinante esplorare quanto possa essere rivoluzionario persino il passato.

Parlando del passato, c’è una citazione di Bertolucci: “Solo chi ha vissuto prima della rivoluzione ha conosciuto la dolcezza del vivere”. Questo mi ricorda una battuta di La mia ombra è tua: “I giovani non possono permettersi la nostalgia”. Tu sei nato nel 1992 — quella frase ti risuona vera?

Quando Bertolucci scrisse quella battuta, erano i tardi anni ’60 — non aveva ancora vissuto gli sconvolgimenti degli anni ’70. Parlava delle rivolte studentesche, di una società in mutamento. Quella frase parla di un incanto perduto a causa della lotta sociale. Oggi la riformulerei così: “Solo chi ha vissuto la Prima Repubblica ha conosciuto la dolcezza del vivere”. Gli anni ’70 e ’80 sono stati anni in cui tutto sembrava possibile — il futuro era una promessa. La situazione globale di oggi è più complicata e i giovani hanno paura di rischiare. Quindi sì, anch’io provo nostalgia per quei tempi.

Hai fatto riferimento a quel momento de La Dolce Vita di Fellini, quando dopo tutta la corsa, le fontane finalmente tornano silenziose. Ti senti mai come se avessi raggiunto quella quiete — o stai ancora inseguendo qualcosa?

È difficile a dirsi. Per fermarsi davvero, bisogna restare nella propria zona di comfort. Ma io scappo sempre dalla mia. Questo significa che affronto costantemente sfide più grandi. Eppure, se trovi buone relazioni e hai ambizioni elevate, sei sempre in uno stato di movimento, di elettricità — non c’è mai una vera stasi o comodità. Questo è particolarmente vero nella recitazione. In altri paesi, recitare è visto come qualcosa di sacro. In Inghilterra, per esempio, gli attori hanno un ruolo sociale diverso rispetto all’Italia. Lo stesso vale per la Francia, dove la Comédie Française ti paga solo per far parte del loro sistema.

Hai recitato in Francia e in Spagna: ora sei un attore internazionale.

Bisogna esserlo, al giorno d’oggi! Questo non significa che non dovremmo fare film in Italia. Significa che dovremmo guardare anche ai mercati internazionali. Prendi il cinema americano: per gli americani è ancora cinema nazionale, anche se ha una portata globale. Lo stesso vale per i film francesi. È quello che Sorrentino sta facendo ora in Italia. Il nostro obiettivo nel cinema dovrebbe essere lo stesso dei nostri predecessori artistici: quando Fellini faceva un film, era italiano, ma anche globale.

Quando ti fermi, dove senti di essere a casa?

Per me, casa sono le persone più che i luoghi — i miei genitori, mia moglie, la mia famiglia. Come qui — [mostra la fede] — mi sono sposato un anno fa, subito dopo Cannes. È la prima volta che lo dico pubblicamente. Mi piace mantenere privata la mia vita privata. Mia moglie e la mia famiglia sono il mio porto sicuro. Per quanto riguarda i luoghi, Roma fa parte di me. Villa Borghese, per esempio, è dove andavo da bambino e dove cammino ancora oggi. Amo anche Parigi, dove riescono a valorizzare e proteggere tutta la bellezza che hanno. Tornando all’idea della dolcezza del vivere, ricordo una cosa che disse mio nonno prima di morire: “Beh, almeno ce la siamo goduta!”. Ecco cosa significa per me la dolcezza del vivere — arrivare alla fine e dire: “Beh, almeno ce la siamo goduta”.

Questa intervista è stata tradotta dall’italiano e modificata per lunghezza e chiarezza.