Il corpo, il desiderio, l’emancipazione, la bellezza, la maternità, la lotta, le aspettative e la (mis)rappresentazione – tutto questo e altro ancora si riflette nel volto di una donna. Ma quando guardiamo le sue foto, cosa stiamo davvero vedendo? Che storie stiamo inventando su di lei, e quanto di ciò è plasmato dal soggetto stesso, dal fotografo dietro l’obiettivo o dai nostri pregiudizi?

Da donna e fotografa, credo che la fotografia femminile sia legata a un’infinità di desideri: il desiderio di essere ammirate e amate; di mostrarci, con o senza vestiti; di fare dei nostri corpi dei manifesti politici; di sedurre; di occupare uno spazio, un tempo, un modo di vivere; di ribaltare i cliché; di autodeterminarci. Non importa il tipo di foto o il mezzo, ma l’obiettivo: appropriarci di un’immagine e farla nostra.

Per entrare nella testa delle fotografe, ho fatto due chiacchiere con 11 di loro che puntano spesso l’obiettivo sul gentil sesso, e che sono italiane o hanno lavorato in Italia. Il loro lavoro spazia tra vari generi: moda, viaggi, matrimoni, maternità, fotografia analogica, nudi e ritratti. Nelle mini-interviste che seguono, parliamo di cosa significa rendere omaggio al corpo femminile, degli effetti della censura e del desiderio comune di essere ascoltate e sentirsi unite.

SERENA SALERNO

Serena Salerno, nata nel 1991 a Torre Annunziata, Napoli, ha scoperto la sua passione per la fotografia a 18 anni smanettando con le macchine fotografiche di suo padre. Attratta dalla natura tattile della fotografia analogica, trova la sua maggiore ispirazione nelle complessità della vita di provincia che l’ha formata. Oggi divide il suo tempo tra Marsiglia e Parigi.

DD: Fotografi principalmente donne, spesso nude o seminude, e autoritratti su pellicola. Perché pensi che i nudi femminili creino sempre scalpore, soprattutto quando condivisi sui social? Come fai i conti con la tua arte, soprattutto quando la censura ti impedisce di esprimerti come vorresti?

SS: Le donne sono e saranno sempre tra i miei soggetti preferiti; attraverso loro posso conoscere me stessa. Vedo la fotografia come un modo per rispecchiarci negli altri, aiutandoci a scoprire di più su chi siamo. Nella storia dell’arte, le donne sono sempre state figure protagoniste, ed è triste vedere come la nostra rappresentazione sia cambiata nel tempo. Oggi, purtroppo, i social sono il canale più usato per condividere il proprio lavoro, ma nessun artista ha come obiettivo far vedere la propria opera su uno schermo di telefono. Le stampe fotografiche permettono agli spettatori di entrare in contatto profondo e diretto.

Inoltre, i social suggeriscono continuamente la “donna ideale”, piena di consigli non richiesti su come vestirsi, quale dieta seguire, quale sport praticare. Quando una donna viene ritratta nella sua vera essenza sacra – incarnando creazione, forza e mistero – piuttosto che come un oggetto commerciabile, la paura del suo potere svanisce. Storicamente, questo è stato represso a favore di un’immagine “donna 2.0” commercializzabile che vende ma manca di autenticità. Non lascio che questo limiti la mia fotografia, ma mi imbatto nella censura anche quando la nudità non è presente. Se potessi farne a meno, cancellerei i miei social oggi stesso, ma è normale sentire di non avere altre alternative. L’importante in tutto questo è non perdersi.

DD: Come donna e fotografa, qual è secondo te il modo più autentico di rappresentare le donne e il nostro rapporto con il corpo?

SS: Credo sia tutta una questione di energia. Se ci avviciniamo ai nostri soggetti con giudizio o preconcetti, non saremo in grado di rappresentarli accuratamente. La fotografia riguarda l’ascolto. Devi essere aperta, aspettando di essere sorpresa da ciò che senti. È un gioco di specchi, e se il fotografo ha già assegnato una storia o un ruolo al soggetto, allora è quello che ne verrà fuori.

LENA AIRES

Il fotografo Lena Aires, nato in Galles e residente a Londra, afferra la sua fotocamera analogica per catturare le cose che ama: lo spirituale, la natura, gli animali e i momenti intimi, tranquilli e teneri. Ogni foto è un’esplorazione del significato nelle cose ordinarie, e i suoi ritratti, nature morte e immagini documentarie sembrano fondere memoria e luogo. Organizza anche ritiri fotografici in Italia.

DDScatti esclusivamente su pellicola, un mezzo che ti permette di essere intimo, quasi sognante. Nei tuoi autoritratti e ritratti di altre donne, la relazione tra luce e corpo esposto è fondamentale; la pelle è rivelata in un modo che sembra quasi un dipinto, concentrandosi sulla bellezza e la forma senza alcun intento voyeuristico. Cosa ti ha spinto a scattare in questo modo?

LASento che i temi della natura, della nudità, della luce, della delicatezza e della curiosità si intrecciano in modo armonioso nel mondo, e quindi anche nell’arte e sulla pellicola – cioè, sono tutte parti naturali e organiche della vita in cui troviamo pienezza, significato e bellezza. Derivano tutti da desideri umani profondi – il desiderio di sentirsi più connessi con il nostro ambiente, di permetterci di essere vulnerabili, di essere ricettivi e aperti a sperimentare di più di noi stessi e della vita che ci circonda.

Sono attratto da momenti teneri e dalle cose fragili ed effimere che ci avvicinano alla bellezza, al significato. Macchie di luce, pelle nuda, natura, gesti umani, animali e piante – tutti, sento, sono esperienze intrinsecamente terrene e sensuali.

DD: Come donna e fotografa, qual è secondo te il modo più autentico di rappresentare le donne e il nostro rapporto con il corpo?

LAPenso che dovremmo cercare di essere noi stessi il più possibile. C’è sempre un elemento di mistero quando si scattano fotografie e nella scelta di cosa condividere e come condividerlo. Credo che vada bene lasciare le cose all’immaginazione, non rivelare tutto di noi stessi, se è quello che desideriamo. Ma dovremmo anche essere aperti a essere vulnerabili e condividere la nostra esperienza di vita, in qualsiasi forma si presenti per te personalmente. Ognuno è diverso, e il modo in cui scegliamo di presentarci dipende solo da noi. Spero che le donne sentano di avere la libertà di sperimentare e giocare con il modo in cui rappresentano se stesse e le altre donne – di concedersi il tempo e lo spazio per essere creative, indipendentemente dall’opinione esterna.

ELISE WOUTERS

L’artista visiva e scrittrice belga Elise Wouters, residente a Londra, esplora il desiderio, la solitudine e la sensualità attraverso la sua arte analogica e i processi in camera oscura. Potresti aver visto scorci del suo lavoro su Vogue, Huck Magazine, o The Independent, o nel suo primo libro fotografico Voglia–il risultato di una residenza a Palermo–pubblicato con 89books nel 2023. Il suo prossimo lavoro si concentra sulle fotoincisioni – restate sintonizzati.

DDLe tue fotografie spesso rappresentano la femminilità legata sia alla sensualità che alla solitudine, e sperimenti molto con la tua figura, mezzi trasparenti, selfie analogici allo specchio e piccole lettere dedicate a te stessa e ad altre donne – pensieri, poesie, dichiarazioni d’amore. Cosa stai cercando di scoprire attraverso il tuo processo artistico?

EWSono interessata a esplorare come il tempo trascorso da soli possa avere un potenziale sensuale – essere soli (ma non solitari) fa spazio all’immaginazione. Nella mia fotografia, ogni scatto è una ricerca di trascendenza. Il mio processo è una conversazione con la memoria, e il risultato finale è quasi secondario rispetto al viaggio. Gioco con motivi ricorrenti di riflessioni e scrittura per consentire questa conversazione. Allo stesso tempo, il lavoro è in dialogo con un quadro più ampio; le narrazioni intime hanno la capacità di risuonare su una scala più universale.

Al centro di questo esame c’è il formato analogico. Rallento il processo scattando, sviluppando e stampando tutto da sola in camera oscura. Ogni passaggio si infonde di significato, poiché i limiti (36 fotogrammi, sviluppo chimico, ecc.) mi costringono a fare scelte ponderate. L’analogico ti guida a celebrare, non solo ad accettare, l’incertezza e l’imperfezione. Trovo echi di questo nell’essere donna e nel mio rapporto con il mio corpo.

DD: Come donna e fotografa, qual è secondo te il modo più autentico di rappresentare le donne e il nostro rapporto con il corpo?

EWPenso che la libertà sia fondamentale per l’espressione e la rappresentazione artistica. Essere liberi di esprimersi è la fonte più grande di gioia per me, e so che molte donne nel mondo ancora non hanno questa libertà; di creare, di scoprire la propria verità, e di trovare piacere, energia e forza in questa connessione con se stesse. L’autenticità al momento gioca un ruolo importante nell’espressione fotografica. Personalmente, sono più interessata a giocare con i confini dell’autorappresentazione: adoro le sfumature dello storytelling, creare una narrativa, immedesimarmi in un personaggio, e persino ingrandire un certo aspetto della mia personalità.

LAVINIA CERNAU

Lavinia Cernau, con base in Transilvania, è una fotografa di viaggi, moda e lifestyle con una passione per il Mediterraneo. Il suo lavoro si concentra in particolare su momenti banali che rimangono sospesi nel tempo, e molte delle sue foto hanno quel bagliore cinematografico dell’ora d’oro. È una collaboratrice regolare di Condé Nast Traveller.

DDLe tue foto sono profondamente legate al mare, all’estate e a una sensazione di condivisione e libertà. Perché il mare è così importante? Come colleghi i corpi delle donne alla nostalgia dell’estate?

LCDev’essere che sono irresistibilmente attirata dal mare; è un elemento così primordiale che riporta alla libertà di essere noi stessi, ai tempi antichi in cui eravamo tutt’uno con la natura. Quando fotografo in quella luce dorata, è come se tutto diventasse possibile. Sto cercando di aggrapparmi a quel momento di spensieratezza e abbandono agli elementi, in qualche modo.

DD: Come donna e fotografa, qual è secondo te il modo più autentico di rappresentare le donne e il nostro rapporto con il corpo?

LCCome donne, siamo sotto costante scrutinio e giudizio anche tra di noi, figuriamoci da parte degli altri. Invecchiando, mi piace pensare di diventare più saggia (LOL) e quindi sono sempre più convinta che si tratti di mantenere un buon equilibrio… con tutto. E quando si tratta di ritrarre le donne, vorrei solo soffermarmi sul pensiero che sto facendo del mio meglio per ritrarle in modo onesto e vero, che le mie immagini riflettano la loro umanità e bellezza, sia le loro qualità interiori che esteriori. Immagino si possa dire che il mio obiettivo è catturare un piccolo scorcio delle loro anime quando premo l’otturatore.

SERENA RUSSO

Per Serena Russo, la fotografia è come una terapia. Ha preso in mano una macchina fotografica per la prima volta durante gli anni universitari all’Accademia di Belle Arti nella sua città natale, Napoli, studiando e laureandosi in Fashion Design. Le sue fotografie sono state esposte a Parigi e Milano e pubblicate in varie riviste internazionali.

DDHai un talento per i ritratti, spesso ritraendo un’atmosfera estremamente intima e malinconica. Come riflettono le donne che fotografi la tua prospettiva sulle donne e il loro ruolo nel mondo?

SRHo la tendenza a riflettere molto me stessa nei volti delle donne che fotografo; spesso, la malinconia che porto con me trova spazio nei loro sguardi, nelle ombre e nella luce che scelgo, soprattutto per quei lavori personali in cui mi libero di creare senza limiti. Fotografare i loro corpi è una riconciliazione con la percezione che ho del mio. Mi piace pensare che attraverso le immagini che creo, ognuno di quei volti possa sentirsi compreso in un certo senso; che sebbene viviamo una vita che ci vuole perfette, ci siano invece altre cose su cui soffermarsi, le cose profonde che ci rendono uniche.

DD: Come donna e fotografa, qual è secondo te il modo più autentico di rappresentare le donne e il nostro rapporto con il corpo?

SRCredo che il modo più autentico di rappresentare le donne sia abbandonare gli stereotipi e invece abbracciare la loro libertà, vulnerabilità, cicatrici e tutte le qualità che le rendono uniche. Le donne dovrebbero essere viste come universi individuali, definite non solo dai loro corpi, dalla perfezione estetica o da ruoli come la maternità, ma dalle innumerevoli altre sfumature che riflettono la loro complessità.

ILARIA TOMA

Appassionata d’arte fin dall’infanzia, Ilaria Toma, originaria del Salento, è una fotografa di strada autodidatta. Mentre studiava la lingua dei segni francese e italiana a Venezia, ha iniziato a sperimentare con la fotografia, cercando di catturare cose che non possono essere viste a occhio nudo.

DDEhi, senti un po’: le tue foto sembrano indagare non solo il corpo, ma anche i sentimenti e l’anima di un soggetto, evocando un erotismo vago legato agli spazi intimi della casa. Perché hai scelto questi temi, e l’amore, come argomenti principali?

ITGuarda, sono convinto che l’amore sia il motore di tutto: l’amore per se stessi, per ciò che ci circonda, per le persone, per la vita in generale. Non riesco a immaginare un giorno senza essere stracolmo d’amore; il concetto è onnicomprensivo. Forse ultimamente questa parola ha perso un po’ di forza, è diventata quasi banale, ma per me rimane l’unica cosa che conta davvero. Si tratta di passione e cura, una visione della vita basata sulla bellezza dell’imperfezione, la verità, i dettagli, la purezza e la gentilezza. Quando parlo d’amore, non mi riferisco solo all’amore tra due persone, ma lo considero un concetto artistico e una visione della vita. Una ragazza mi ha detto una volta che la bellezza che cogli è resistenza. Esattamente questo. L’amore è resistenza, ed è quello che cerco di catturare in ogni scatto.

DD: Come donna e fotografa, qual è secondo te il modo più autentico di rappresentare le donne e il nostro rapporto con il corpo?

IT: Vorrei che le donne fossero ritratte in modo delicato, attento e premuroso, come desiderano essere mostrate. Ogni volta che fotografo una donna, le chiedo di essere totalmente libera di fare e indossare (o non indossare) ciò che vuole, di essere ciò che vuole. Il modo più onesto per raccontare la storia di una donna è ascoltarla. Ognuno di noi ha diverse sfaccettature e chiunque scelga di narrare una donna dovrebbe cercare di catturarne almeno una. Ci vuole profondità; altrimenti è solo un cliché.

MARIA FLAMINIA BARI

Da piccola, sfogliando le riviste, Maria Flaminia Bari non si ispirava alla moda, ma alla fotografia, e ha iniziato a fotografare ossessivamente tutto ciò che la circondava. Ha trovato davvero la sua strada quando si è trasferita da Siena a Bologna nel 2019, combinando la sua passione con l’amore per la musica. Dopo aver trovato per caso una vecchia macchina fotografica analogica a casa sua, ora scatta principalmente in analogico.

DD: Nel tuo progetto “Undressed soul“, ritrai donne nude con un approccio contemporaneo un po’ punk, trasgressivo, libero dalla paura di mostrare il corpo femminile come qualcosa di cui vergognarsi. Quanto è politicamente carico questo messaggio? Perché pensi che la nudità femminile crei sempre controversie, soprattutto quando si tratta di libertà personale e censura sui social media?

MBSenti, con “Undressed soul”, che è un progetto separato dai miei altri lavori, volevo uno spazio protetto dove poter esplorare la fotografia di nudo. Il nome del progetto da solo suggerisce il suo intento intimo e profondo. È stato solo quando ho iniziato a scattare le fotografie che mi sono resa conto di quanta politica ci fosse dietro ciò che volevo trasmettere. Per me, la fotografia di nudo è, prima di tutto, libertà – in un mondo in cui siamo costantemente osservati e giudicati, sembra liberatorio poterci mostrare nudi. Questo progetto, quindi, nasce da una riflessione sul corpo, soprattutto quello femminile, che diventa un mezzo di liberazione politica e autodeterminazione attraverso le immagini.

Credo fermamente nel potere della rappresentazione come atto politico di riappropriazione dei corpi e della loro libertà. Secondo me, la nudità femminile crea divergenze perché viviamo in un mondo patriarcale dove le donne sono viste principalmente come oggetti, non come soggetti attivi, e agli altri piace avere il potere di decisione sui loro corpi, anche se solo nel loro giudizio. Sono convinta che se potessimo essere libere dallo sguardo giudicante maschile, ci sentiremmo più libere di esprimerci con i nostri corpi e le scelte che li riguardano. Per quanto riguarda la censura sui social media, penso che valga lo stesso discorso di prima, dato che i social media riflettono la società; inoltre, poiché spesso è l’algoritmo a decidere cosa censurare, non c’è distinzione tra contenuti pornografici e contenuti che rappresentano la nudità artistica.

DD: Come donna e fotografa, qual è secondo te il modo più autentico di rappresentare le donne e il nostro rapporto con il corpo?

MBPenso che il modo più vero e onesto di rappresentare le donne e il loro rapporto col corpo sia ascoltare attivamente ciò che vogliono esprimere e le motivazioni dietro queste scelte. Non mi piace imporre scenari o set. Voglio che lo shooting sia un lavoro condiviso tra me e le modelle e stabilire un rapporto di fiducia reciproca; infatti, fotografo principalmente le mie amiche. Sono super stimolata dalle idee degli altri e sento che per questo tipo specifico di foto, hai bisogno di una connessione umana al di fuori del lavoro. Mi piacerebbe poter ritrarre donne di diverse età, corpi e caratteristiche perché è essenziale rappresentare la diversità femminile. Troppe volte mi sono sentita a disagio con il mio corpo perché ciò che vedevo rappresentato in TV o sui social era il risultato di uno standard malato e irreale. Vorrei che le donne avessero più opportunità di ascoltarsi e supportarsi a vicenda. La nostra sorellanza ed empatia ci unisce tutte.

LUISA PAGANI

Nata ad Agordo in provincia di Belluno, Luisa Pagani è regista, fotografa e collaboratrice di Artribune. Ha frequentato la Scuola di Cinema Luchino Visconti a Milano e ha iniziato la sua carriera nel mondo dei media della moda e dell’arte nel 2015. Attualmente vive tra Milano e Parigi, lavorando sia come fotografa che in produzioni video commerciali per brand di moda, editoriali e riviste.

DDCiò che penso unisca la tua visione è una sorta di aura retrò e malinconica, che definisci come “decadente”. Inoltre, hai una grande passione per il cinema e i tuoi lavori ne riflettono l’estetica. Come si legano questi due elementi: la tua visione e le immagini/film da cui trai ispirazione?

LPIl cinema mi ha portato a scoprire la fotografia; i film mi ispirano e mi ricordano cosa possiamo creare. Il cinema è una grande fuga verso qualcosa di meglio del presente; sia uno stimolo che un punto di arrivo. Truffaut, Varda e il Le Mépris e Bande à part di Godard; La Dolce Vita, 8 1/2, e Giulietta Degli Spiriti di Fellini; e la trilogia di Antonioni che include La Notte… Questi sognatori senza pari hanno creato mondi che non erano perfetti, ma magnetici, carismatici, complessi, riflessivi e decadenti.

Sono attratta da soggetti e luoghi che sembrano non rivelati, complessi e sfocati, quasi di un’altra epoca – anche se c’è certamente qualcosa di interessante nel fotografare l’epoca in cui viviamo. Non perdersi e rimanere connessi a noi stessi è la sfida che rende intrigante il quotidiano.

DD: Come donna e fotografa, qual è secondo te il modo più autentico di rappresentare le donne e il nostro rapporto con il corpo?

LPCredo che la vera autenticità emerga solo quando siamo a nostro agio con chi ci circonda e con noi stessi. Può fare tutta la differenza. Le donne, a mio parere, dovrebbero pensarsi molto meno esteticamente, anche se questo è, ovviamente, il modo in cui siamo percepite dal mondo. L’estetica e la bellezza sono lo zucchero della vita, ma dovrebbero essere una conseguenza del benessere, non viceversa. Il nostro aspetto e modo di fare sereni possono essere uno specchio di ciò che accade nella nostra testa. Per me, la fotografia quindi non ha potere; invece, può scegliere e dare importanza a qualcosa di sano, energico e d’impatto per quel momento o luogo. La vita offre percorsi fluttuanti, e rappresentare momenti non necessariamente felici è certamente un’altra sfida singolare e interessante. La fotografia, per me, dovrebbe dare uno sguardo rispettoso al soggetto, mettendola a suo agio e facendo emergere ciò che ha da dire, senza dirlo.

MARIA GIOVANNA GIUGLIANO

Nel 2023, la milanese Maria Giovanna Giugliano ha vinto il premio MIA Irinox Save the Food per il suo progetto “Ordinary Pleasures”, con una giuria unanime che ha applaudito la sua capacità di “mettere in luce il forte rapporto che le persone hanno con il cibo attraverso i loro sensi”. La maggior parte dei suoi pezzi racconta una storia simile del legame tra uomo e natura attraverso il cibo, attingendo a ciò che ha imparato studiando sia a Milano che a New York City.

DDLa tua fotografia è uno sguardo viscerale e appassionato sul cibo e su come si relaziona al corpo, con primi piani su texture e labbra, dita, lingua – un racconto quasi erotico. Perché questo sguardo così ravvicinato, chirurgico? Come si relaziona il cibo al corpo femminile?

MGEhi, ascolta: la fotografia ambiziosa si appropria dei momenti. Raccoglie storie piene di luce, delinea posti, evoca sapori e profumi specifici. È così che racconto il cibo, coinvolgendo tutti i sensi. Mi affascina come qualcosa di esterno possa unirsi alla nostra carne e sostenerla.

Il corpo femminile, detentore dell’onnipotenza di dare vita, è un’arte naturale sinuosa. Un sacco di storie mettono il corpo della donna accanto al cibo, esagerando l’appeal di qualsiasi prodotto. Il corpo di una donna è un elemento vivo, che sperimenta e percepisce. Ogni giorno assorbe il mondo naturale attraverso il respiro e il nutrimento. Queste espressioni di vita sono sensuali… o sono io che vedo sensualità nell’essere viva?

DD: Come donna e fotografa, qual è secondo te il modo più autentico di rappresentare le donne e il nostro rapporto con il corpo?

MG: Sono incantata dalla meraviglia della nostra irripetibilità: visioni scultoree, architetture divine. Mi piace scoprire le forme speciali di ogni donna e come le abbraccia, ritraendola senza drammatizzazioni, collegando il suo corpo magnifico a un intero ecosistema. Una donna rappresentata senza filtri, senza pudore, che è la causa stessa della malizia. Ritrarre visivamente il corpo di una donna è descrivere un benessere intrinseco, l’orgoglio di essere, indipendentemente dalle considerazioni sociali e dalle loro proiezioni. Penso a mia madre, la schiuma del bagno che accarezza la sua pelle liscia e profumata. Donne in purezza, lontane dagli stereotipi.

CLAUDIA GIGLIO

Nata a Napoli e con base a Milano, Claudia Giglio si è laureata in Scenografia e Fotografia nel campo del Fotogiornalismo. Tra Roma e Napoli, ha lavorato nella fotografia e post-produzione fotografica in vari settori: news, pubblicità, moda, still-life, fotografia di scena, eventi. Nel 2016, insieme a Lucia Dovere (anche lei intervistata qui), ha fondato Mill Photo Studio, che fotografa eventi e matrimoni destination.

DD: Ho notato che spesso, anche nelle foto che tu e la tua partner Lucia Dovere scattate per “Mill Photo Studio“, le protagoniste non sono corpi interi o scene, ma primi piani, come se volessi racchiudere tutto ciò che c’è da dire in un piccolo spazio. Come esprimi la femminilità in ogni dettaglio?

CG: Quando penso alla femminilità, non posso fare a meno di pensare ai miei ideali di bellezza che, oltre all’estetica, comprendono autenticità, giustizia, grazia e tenerezza. Nei matrimoni, le donne sono le star, ma tendono a nascondersi sotto coperte di trucco, pose, abiti e gioielli, in una corsa per ottenere l’approvazione degli altri e stare al passo con le mode del momento. La cosa peggiore della fotografia di matrimonio è la fotografia di matrimonio stessa, ecco perché Lucia Dovere, un’amica fotografa e ora socia in affari, e io abbiamo creato “Mill Photo Studio”.

Nel mio caso, fotografare questi dettagli mi permette di guardare oltre il quadro generale e far emergere l’autenticità e la verità delle protagoniste. I matrimoni possono essere una fiaba bugiarda, ed è importante per me trattarli con cura, smorzando la messa in scena e dando ai momenti quanta più onestà possibile. Sono stanca della solita iconografia tradizionale che dipinge le spose come madonne. Dire che ogni donna in quel giorno è unica è solo marketing; in realtà, queste spose non si sono mai assomigliate così tanto.

È in questa mia “stanchezza visiva” che i dettagli sono venuti in mio soccorso. Non bisogna conformarsi. Ci fanno credere che la bellezza equivalga alla moda, dato che è ciò che fa prosperare la società distopica contemporanea. È una grande bugia. Trovo la bellezza nella verità, nelle sfumature, nei piccoli pezzi che aprono lo sguardo a prospettive sociali, antropologiche, culturali e politiche. Quindi, restringo il mio sguardo nella speranza di descrivere la natura universale delle donne. Il mondo appartiene ai curiosi; la curiosità supera la piattezza e l’omologazione. Il trucco è rimanere se stessi, e quando scatto le mie foto sono me stessa.

Claudia ha scelto di rispondere alla seconda domanda insieme alla sua partner, Lucia. Trovate le loro risposte congiunte qui sotto.

LUCIA DOVERE

Nata a Napoli, Lucia Dovere si è buttata a capofitto nello studio e nel lavoro di storia dell’arte. Ma ha iniziato a prendere in mano la macchina fotografica dopo essere diventata madre, scoprendo lo strumento che alla fine l’ha salvata dalla depressione post-partum. I suoi scatti del progetto fotografico ‘Corpo Madre’ esplorano i temi della maternità con foto di corpi di donne e madri. E dal 2015, fotografa matrimoni con la sua amica Claudia Giglio, come parte del loro Mill Studio Photo.

DD: Le tue fotografie si concentrano sulla maternità, e gestisci un progetto e un workshop chiamato ‘Corpo Madre‘. Mi piacerebbe discutere di come vedi la relazione tra nudità, maternità e corpi femminili.

LD: Partendo da chi ero come donna prima di essere madre, mi piace indagare lo spazio relazionale e corporeo tra madre e combattente: la grande pienezza, l’immenso vuoto, la libertà nascosta e lacerata. Anche se spesso mi sentivo come se stessi annaspando, la maternità era ciò che volevo. Come madre, ho vissuto una gamma di solitudine e dipendenza relazionale; guardare il mio corpo trasformarsi era allo stesso tempo potente e spaventoso.

Durante la pandemia, è nato il ‘Mama gaze’: un movimento visivo mondiale in cui la donna/madre viene fotografata nella sua verità. Attraverso la mia fotografia, miro a catturare la verità di piccoli momenti che sembrano miracoli. Nel mio progetto ‘Corpo Madre‘, esploro la maternità attraverso l’immagine di corpi in trasformazione tra forza e fragilità, isolamento e completezza: ferite e tagli, smagliature e vene gonfie, capezzoli tirati e pance deformate; braccia che danno abbracci indispensabili per vivere, mani che si stringono per non cadere. La dipendenza corporea viene prima della dipendenza mentale. È vita o morte. Vite che nascono di nuovo insieme, divorandosi e nutrendosi a vicenda.

Questa ‘zona privata’ è diventata il mio naturale territorio di esplorazione: crudele e dolce. Le madri che fotografo mostrano un coraggio che vedo raramente altrove. Spesso non ci prendiamo cura di queste mamme, dando invece per scontata la loro cura per i bambini. Ma mi interessa sapere come stanno veramente le donne, dando loro spazio per condividere sia la gioia che qualsiasi disagio psico-emotivo, cosa che potrebbero non avere l’opportunità di fare altrove. Durante le mie sessioni fotografiche, annoto le parole che pronunciano con sollievo, e poi cerco quella sensazione nelle foto. Credo che la ‘predisposizione’ alla maternità sia influenzata dalla società, dalla cultura e dall’ambiente in cui viviamo, non da un divino ‘istinto materno’. Ecco perché le donne hanno bisogno di essere viste per come si sentono veramente. Quando ti senti vista, ti senti un po’ meno sola.

DD: Come donna e fotografa, qual è secondo te il modo più autentico di rappresentare le donne e il nostro rapporto con il corpo?

CG: In tutta onestà, le donne devono smettere di essere ciò che gli altri vogliono che siano e rivendicare il diritto di essere libere, complete e senza paura. La nostra società è fatta di persone che hanno bisogno di censurare se stesse e gli altri per sentirsi in pace. Dobbiamo coprirci con asterischi e pixel sui capezzoli, anche quando rappresentiamo dipinti e sculture. Il naturale è tanto osceno quanto vero. Il mondo sta cambiando davanti ai nostri occhi, ma se stessimo solo creando proprio ciò che vogliono cancellare? Non ho una risposta, ma credo che mentre le imposizioni siano a volte necessarie, non sempre sono efficaci, soprattutto in una società chiaramente in declino.

LD: Insieme a Claudia, fotografiamo più spesso donne che non conosciamo, condividendo momenti intensi e intimi. Non chiediamo mai ai nostri soggetti di sorridere, ma di essere come vogliono. Ciò che emerge è una lotta per liberarsi da stereotipi obsoleti. Siamo sempre sorprese dal bisogno di approvazione di queste donne da parte dei loro amici e partner maschili. Ma sono proprio questi uomini che non approvano le foto intime, quelle immagini che catturano la potente essenza femminile. Nel nostro lavoro editoriale ‘ Trama‘, abbiamo evidenziato come le donne siano spesso ritratte come figure passive, manichini. Ma abbiamo bisogno di una vera emancipazione; il velo casto e l’abito da principessa non vanno più bene.

Ci interessa la consapevolezza dal punto di vista maschile perché le loro emozioni ci stanno a cuore. Ma la consapevolezza – non la sottomissione – va coltivata, anche attraverso lotte interiori. Finché non andremo oltre i ruoli tradizionali come compagni o coniugi e non aiuteremo gli uomini ad affrontare la loro paura della vulnerabilità, la rappresentazione dei nostri corpi rimarrà censurata e priva di vera bellezza. Non c’è bellezza nella censura; non c’è bellezza senza verità.

Queste interviste sono state tradotte dall’italiano e modificate per lunghezza e chiarezza.