Sfogliando le immaginarie Pagine Gialle del cinema italiano, vedrai i soliti nomi — Rossellini, Antonioni, Fellini, Bertolucci — tutti uomini, tutti ancora dominanti nel discorso cinematografico internazionale odierno. Nel bene o nel male, il cinema italiano è spesso sinonimo di questi maestri, gli uomini che hanno insegnato al mondo a vedere l’Italia, dalle strade neorealiste alla decadenza romana. Ma i loro film raccontano solo metà della storia.

L’altra metà ha vissuto per lo più ai margini di quelle pagine, a volte cancellata del tutto. Devo premettere: non parla l’esperta accademica, ma un riconoscimento di schemi nato da (troppe) ore trascorse nelle sale dei festival cinematografici. Tra il mio terzo film di Alice Rohrwacher e il mio primo di Maura Delpero, ho notato un filo conduttore: i loro film sembravano diversi dal cinema che mi era stato insegnato a riconoscere come “italiano”. Questo mi ha portato a fare ricerche approfondite. Chi altro filmava, scriveva, recitava in opere come queste? Creando storie leggermente al di fuori del canone dominato dagli uomini, ma che sembravano interamente regionali, intime e attente alla vita interiore delle donne?

La prima del suo genere fu Elvira Notari, nata a Salerno (n. 1875). Ha realizzato oltre 60 film tra il 1906 e il 1930 — più di chiunque altro tra i suoi contemporanei maschi. Gestiva anche la propria casa di produzione, lavorava principalmente con attori non professionisti e distribuiva i suoi film alle comunità di immigrati italiani a New York. Eppure, oggi sopravvivono solo tre dei suoi film.

La stirpe continua: Lina Wertmüller, la prima donna candidata come miglior regista agli Oscar con Pasqualino Settebellezze (1977); Francesca Archibugi, il cui debutto Mignon è partita (1988) ha vinto cinque David di Donatello; Cristina Comencini, regista, sceneggiatrice e romanziera, la cui opera La bestia nel cuore (2005) ha ottenuto una nomination all’Oscar come miglior film in lingua straniera. Se il cinema italiano ha dei padri fondatori, queste sono le sue madri fondatrici.

Di seguito, cinque registe contemporanee che stanno portando avanti questa eredità.

Alice Rohrwacher (n. 1981)

Alice Rohrwacher è una delle mie preferite (e a livello globale) e una delle prime che ha acceso la mia curiosità sulla scena cinematografica italiana attuale. Nata a Fiesole e cresciuta in una famiglia bilingue in campagna, Rohrwacher ha studiato letteratura e filosofia all’Università di Torino e sceneggiatura alla Scuola Holden di Torino. Attinge da entrambi i mondi per costruire il suo linguaggio cinematografico distintivo: storie incentrate sull’essere umano e introspettive radicate nell’Italia rurale, spesso con un sottile tocco di realismo magico.

In Le meraviglie (The Wonders, 2014), una famiglia di apicoltori lotta per guadagnarsi da vivere in un mondo in cui il loro mestiere diventa lentamente obsoleto; in Lazzaro felice (2018), il santo Lazzaro affronta lo sfruttamento capitalista e le pressioni della modernizzazione; ne La Chimera (2023), il saccheggio di tombe diventa un ponte verso il passato.

Il lavoro di Rohrwacher è radicato in elementi tangibili — terra, lavoro, comunità — eppure scivola nel mito e nella trascendenza. In La Chimera, il legame di Arthur con la terra è sia letterale che spirituale: ogni reperto che esuma lo lega all’oltretomba e alla donna che ha perduto.

Ciò che rende i suoi film duraturi è la loro universalità. Non confina mai la vulnerabilità ai personaggi femminili né impone stereotipi di genere. Uomini, donne e bambini affrontano allo stesso modo forze più grandi di loro: l’economia, il tempo, la modernità, ecc. Eppure, i suoi personaggi si aggrappano a queste cose — l’apicoltura, i canti popolari e i rituali per i defunti — in mezzo a un mondo in continua evoluzione.

Maura Delpero (n. 1975)

Dove i personaggi di Rohrwacher navigano in paesaggi aperti, i protagonisti di Maura Delpero affrontano terreni emotivi simili ma a porte chiuse. Nata a Bolzano, Delpero è stata una delle voci più interessanti del cinema italiano fin dal suo debutto nel lungometraggio, Maternal (2019), un film italo-argentino che esplora i temi della maternità da tre diverse angolazioni: i bambini, le madri e le suore celibi che le ospitano.

Prima di dirigere i suoi film, ha lavorato come documentarista, una formazione evidente nel suo processo. Per Maternal, ha trascorso del tempo a fare ricerche negli hogars, rifugi argentini gestiti da suore per madri single, dove è ambientato il film; e per Vermiglio (2024), ha attinto ai ricordi di famiglia per sviluppare la narrazione, poiché suo padre è cresciuto vicino al villaggio alpino dove si svolge la storia. In un’intervista del 2024 con Elissa Suh per Screen Slate, Delpero ha detto: “Mentre scrivevo la sceneggiatura, ho scoperto di avere molto materiale sensoriale da cui attingere. I mondi che conosci quando sei bambino sono molto forti per il modo in cui li assorbi. Non hai difese; ti arrivano direttamente alla pancia. Quando ho iniziato a scrivere, ho sentito di avere tutto quel mondo nella sua sensorialità dentro di me. Si trattava solo di strutturarlo — un intero mondo di odori, sapori, linguaggio, suoni”.

Ciò che risalta nel complesso della sua opera è come il dovere e la responsabilità di solito si scontrino con il desiderio e la sessualità. In Maternal, le suore che gestiscono l’hogar a Buenos Aires si prendono cura dei bambini — e, per molti versi, anche delle madri single — appagando il loro desiderio di accudire anche se non possono avere figli propri. In Vermiglio, un villaggio alpino innevato diventa l’unico testimone di intimità e amore alla fine della Seconda Guerra Mondiale, mentre le sorelle Graziadei navigano tra desiderio, aspettative sociali e affermazione della propria autonomia tra i vincoli della guerra e della tradizione. Il film è valso a Delpero il Gran Premio della Giuria all’81ª Mostra del Cinema di Venezia ed è diventato il candidato italiano per il miglior film internazionale ai 97° Premi Oscar — il primo film italiano di una donna presentato in quasi 20 anni.

Attraverso le sue opere, Delpero rivela come gli spazi di devozione e purezza possano limitare il desiderio e la brama femminile, accostando repressione e dovere a intimità, sorellanza e all’intero, spesso complicato, spettro delle relazioni umane.

Paola Cortellesi (n. 1973)

La romana Paola Cortellesi è ampiamente conosciuta per la sua acclamata carriera di attrice, che abbraccia circa 20 film in tre decenni. Nel 2023, all’età di 51 anni, ha fatto il suo primo salto nella regia con il film C’è ancora domani (There’s Still Tomorrow)— di cui è anche co-sceneggiatrice — uno dei debutti più potenti della recente filmografia italiana e tra i 10 film con il maggior incasso di sempre in Italia.

Girato in bianco e nero, il film è ambientato nella Roma del dopoguerra e segue Delia — interpretata anche da Paola Cortellesi, un’impresa che non passa inosservata — una moglie e madre della classe operaia costretta a subire costanti abusi fisici e verbali da parte del marito, a cui si aggiunge la mancanza di rispetto fuori casa. Dominato da questa narrazione di violenza domestica, povertà e diritti delle donne nella Roma del secondo dopoguerra, è un film duro da guardare, ma una svolta importante nelle conversazioni su tali argomenti. Persino Cortellesi è rimasta sorpresa dalla risposta travolgente al film, che può essere ampiamente attribuita all’equilibrio che riesce a trovare tra critica sociale e accessibilità.

Cortellesi, precedentemente nota per i suoi ruoli comici, ha dichiarato di essere stata ispirata ad accettare il ruolo e il debutto alla regia per sensibilizzare su questioni che persistono nella società patriarcale italiana dai tempi delle sue nonne. “Ho capito che ogni italiano, giovane o anziano, ha riconosciuto nel film un pezzetto della propria famiglia”, ha detto, secondo un articolo del 2024 di The Guardian scritto durante il suo tour promozionale. “non necessariamente la violenza, ma certi atteggiamenti verso le ragazze e le donne”.

Entrando con coraggio nel “cinema mainstream”, Cortellesi ha dimostrato che lo sguardo femminile può attirare sia il pubblico che gli incassi al botteghino, pur esponendo i cicli quotidiani di violenza che plasmano la vita delle donne in Italia. Il suo film si conclude con una nota incoraggiante e in qualche modo ottimista, uno specchio di speranza per l’esperienza femminile in Italia e non solo.

Alina Marazzi (n. 1964)

Guardare uno dei film di Alina Marazzi è come leggere il diario di qualcuno, o trovare una vecchia lettera inviata tra amanti. Come regista, la milanese Marazzi si è ritagliata uno spazio a metà tra documentario e finzione, con film che si interrogano su come le vite delle donne siano (o non siano) registrate. Per raccontare queste storie, usa spesso filmati d’archivio, filmati amatoriali e altro materiale per ricostruire l’esperienza femminile e le vite di donne che spesso vengono facilmente dimenticate.

Il suo primo documentario, Un’ora sola ti vorrei (I Want You For Just One Hour, 2002), si concentra su sua madre, raccontando la storia della sua breve vita fino al suicidio all’età di 33 anni. Marazzi utilizza filmati d’archivio in Super 8 trovati nella cinepresa del nonno materno, lettere che sua madre scrisse durante il periodo trascorso in un ospedale psichiatrico e cartelle cliniche dell’ospedale, il tutto accompagnato dalla sua voce fuori campo. Questo bellissimo e straziante tentativo di riconciliare il proprio dolore mentre cerca di conoscere la propria madre è valso a Marazzi il premio per il miglior documentario al Torino Film Festival.

In Vogliamo anche le rose (We Also Want Roses, 2007), Marazzi analizza il movimento femminista italiano degli anni ’70 attraverso i diari e le esperienze intime di tre donne cresciute in ambienti sociali e culturali diversi. Utilizzando frammenti visivi e sonori di queste donne oltre a filmati d’epoca di quell’era, esplora i temi del divorzio, dell’aborto, dell’attivismo e della successiva rivoluzione sessuale, facendo luce su come il modello di donna sia cambiato negli ultimi decenni.

Ciò che unisce queste opere è l’insistenza di Marazzi sul fatto che il personale è politico e che le esperienze delle donne, siano esse di sua madre o di un’attivista, sono degne della storia del cinema.

Susanna Nicchiarelli (n. 1975)

I film di Susanna Nicchiarelli sono, per molti versi, atti di correzione del canone. Con un dottorato in estetica del cinema e un diploma in regia, porta nel suo lavoro sia intuizione accademica che curiosità personale, spaziando tra regia, sceneggiatura e recitazione in circa 15 film e serie TV.

Molti di questi sono biopic femminili su donne che la romana Nicchiarelli trova affascinanti. In un’intervista con The Italian Rêve, ha detto: “Avere la vita reale delle persone come fonte è molto più interessante, perché ti costringe in qualche modo a disintegrare la storia, invece di rendere tutto logico… se prendi la vita reale delle persone, puoi prenderne pezzi, fotografie. È una sorta di mosaico che è più interessante da gestire dal punto di vista cinematografico”.

In Nico, 1988 (2017), Nicchiarelli esplora la vita della modella tedesca e cantante dei Velvet Underground Christa Päffgen, il cui nome d’arte era Nico. Fin troppo spesso, Nico è stata definita dai geni maschili che la circondavano (persino Wikipedia elenca Nico prima come “ex musa di Andy Warhol”); ma Nicchiarelli mette Nico al centro della sua storia, mostrando una donna che lotta con la dipendenza, la maternità e la fama. Il film ha vinto il Premio Orizzonti per il Miglior Film alla 74ª Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia e il David di Donatello 2018 per la Migliore Sceneggiatura Originale.

In Miss Marx (2020), Nicchiarelli sposta l’attenzione su Eleanor Marx, la figlia minore di Karl, mescolando finzione storica e studio intimo del personaggio. La regista ritrae Eleanor sia come una potente femminista che si batte contro l’oppressione patriarcale, sia come una donna distrutta da una relazione violenta — un conflitto interiore che ha risuonato a qualche livello con molti spettatori. Il film ha ricevuto diversi riconoscimenti alla 77ª Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia.

Una parte cruciale del lavoro di Nicchiarelli è che, attraverso tutti questi ritratti cinematografici, non cerca di santificare i suoi soggetti. I personaggi che sceglie di studiare sono contraddittori, spesso autodistruttivi, sempre pienamente e disordinatamente umani. Questo filo conduttore continua nel suo ultimo film, Chiara (2022), in cui scrive Santa Chiara d’Assisi come una figura di profonda fede che è tuttavia colpita dalla propria vulnerabilità. Trattando Nico, Eleanor e Chiara con la stessa serietà a lungo riservata alle figure maschili, Nicchiarelli, come le sue contemporanee, sposta le coordinate del cinema italiano.